TEMA 4: LA DANZA EN EL RENACIMIENTO
TEMA 4: LA DANZA EN EL RENACIMIENTO
En el siglo XV se producirán una serie de hechos que
transformarán la vida europea y provocarán el paso de la Edad Media a la Edad Moderna. La
expansión económica de este siglo vino acompañada de una nueva manera de entender
el mundo: el humanismo. El humanismo hace hincapié en el hombre y la dignidad y
valor como base de las personas, en el racionalismo de las mismas y en su
capacidad de hallar la verdad y el bien.
En el arte el hombre será la unidad de medida. El concepto
de belleza renacentista estaba acorde con los conceptos del arte griego:
simetría, armonía y proporción. La evolución de la danza durante los dos siglos
que ocupa el Renacimiento, los siglos XV y XVI (el Quattrocentro y el
Cinquecento), va a la par con la evolución del arte en este periodo. El
conocimiento de las técnicas de la danza del Renacimiento en Europa y su
evolución, nos ha llegado principalmente a través de los manuales o tratados de
instrucción de danza de este periodo (surgidos a partir de mediados del siglo
XV) y, de manera complementaria, por la iconografía de la época, por la
evolución del vestuario y por los comentarios escritos.
CONTEXTO Y CARACTERÍSTICAS GENERALES:
Las cortes principescas del Renacimiento italiano jugarán un
papel esencial en el desarrollo de las artes. No será extraño descubrir por
ejemplo, a principios del siglo XV en Ferrara, al servicio de la familia Este,
uno de los primeros coreógrafos en el sentido moderno del término: Doménico da Piacenza.
Fruto de una mayor consideración social de las artes será el paso del artesano
al artista y, en danza, el surgimiento del maestro de danza, que pertenecerá a
los círculos de los principes renacentistas. Esto llevará a una creciente
profesionalización del oficio y con ellos a una elevación del nivel técnico. A
lo largo del siglo XV, el vocabulario de pasos no deja de crecer. Paralelamente
hay un esfuerzo por hacer expresiva la danza. Los intérpretes de estos breves balli
intentan ser elegantes y refinados. No obstante, las fiestas que se
organizaban con motivo de matrimonios principescos, dejan cada vez más espacio
a las intervenciones coreográficas. En los banquetes se puso de moda el
estremés (bailes mientras se servían los platos). La armonía entre danza y
música que presentan estos espectáculos italianos los distingue y separa de las
pantomimas toscas y vulgares que se hacen en la misma época en la corte
francesa de Borgoña. De este modo, en Italia surgió el balletti,
espectáculos de baile que se interpretaban en las cortes renacentistas.
El principal tipo de danza que
encontramos documentada en este periodo en Borgoña (Francia), Inglaterra y
determinadas zonas de España y Alemania, es la baja danza (bassedanse).
Pocos años después, cuando esta danza se popularice en Francia en la corte de
Borgoña, la encontraremos ampliamente descrita en el Manuscrit des basses
danses dit de Mrie de Bourgogne (hacia 1495) y en l’Art et instruction
de bien danser de Michel Toulouze (hacia 1496). Solo cinco pasos se
utilizan en la composición de la baja danza: paso simple, paso doble, branle,
reprise o démarche y reverence. Debido al carácter procesional de la baja
danza, los pasos de andar (paso simple y paso doble) se realizan hacia delante,
en la dirección de la marcha.
•
El
paso simple es sencillamente avanzar con un pie u otro, transfiriendo el peso
en cada pierna y elevando y bajando el cuerpo acompasadamente.
•
El
paso doble consiste en tres pequeños pasos cada vez, empezando con el pie
izquierdo, después el derecho y así sucesivamente y, de igual modo, llevando el
cuerpo en ese movimiento ondulante de elevación y descenso.
•
Reprise
era un paso que iba hacia atrás.
•
El
branle consistía en un delicado y suave balanceo de lado, primero a la
izquierda y luego a la derecha.
Los pies de los bailarines
estaban ligeramente girados hacia fuera, el cuerpo estaba recto y el torso
flexible. Mientras la técnica de la danza de la corte borgoñosa preservará la
herencia gótica, Italiana, en el mismo periodo iniciará el Renacimiento. La
técnica de danza del Renacimiento temprano es una técnica cortesana, diseñada
para los nobles y no para los plebeyos, por tanto, los aspectos más virtuosos
de la técnica se descartaban para que el bailarín cortesano no pareciera un
profesional o un bufón. Ciertas danzas eran tabú incluso para los hombres, al
menos en escenarios públicos. Una de estas era la morisca. Esta danza se
caracterizaba por una fuente técnica que incluía saltos, brincos, altas
patadas, grandes movimientos de brazos, exageradas flexiones de rodillas y de
torso.
TIPOS DE REPRESENTACIONES O
ESPECTÁCULOS DEL QUATTROCENTO:
A principios del Renacimiento
encontramos establecidas una serie de representaciones que tienen sus orígenes
en las postrimerías de la
Edad Media y que aportarán diversos elementos al futuro
Ballet de Corte. Podemos distinguir:
•
Mascarada
(mascherata): Consistía en un desfile o en una acción escénica ejecutada al
aire libre por un grupo de personas que llevaban máscaras y disfraces y muchas
veces improvisada. También podía tener partes recitadas y estar acompañada de
música y cantos.
•
Intermedios
(interludios, entremeses): Forma recreativa intercalada entre los actos de
diversos espectáculos, compuesta de piezas instrumentales y cantadas o
coreografiadas con diferentes géneros de danza, pantomima y juegos.
PRINCIPALES DANZAS DEL
RENACIMIENTO:
En este periodo no existe
diferencia entre danza social y danza teatral. Además de la ya comentada baja
danza, las danzas más conocidas utilizadas en el Renacimiento en los diferentes
ámbitos de la sociedad serán: En el entorno cortesano la Pavana , la Gallarda , la Volta , la Allemanda , la Corrente y la Gavota. Y en el entorno
plebeyo el Saltarello y el Branle.
•
Pavana:
Danza de corte del siglo XVI, originaria de Venecia. Majestuosa y representativa
de la baja danza o danza terre à terre, siendo la más utilizada de ellas y la
de mayor éxito en las cortes principescas europeas del siglo XVI. Ejecutada por
parejas en sucesión formando un cortejo procesional.
•
Gallarda:
Se bailaba por parejas y era representativa de la alta danza. De carácter
alegre, fuerte y vigoroso. Se utilizaban muchos saltos y movimientos enérgicos
de piernas. La gallarda presentaba tres variantes: el turdión, más reposado y
de pasos más deslizados; la gallarda, con más saltos, patadas y cabriolas; y la
volta, en la que el bailarín levantaba a la dama a la vez que daba vueltas.
•
Allemanda:
Danza en pareja, de baile en el siglo XVI y teatral en el siglo XVII. Danza
llana, grave, de gran sencillez, lenta, fluida, con poca variedad de
movimientos y que sufrirá numerosas alteraciones según las regiones donde se
practique.
•
Corrente:
Danza en pareja, de baile primero y teatral después- Estaba compuesta de
movimientos en zigzag formados por el encadenamiento de dos pasos simples y uno
doble, ejecutados sucesivamente a derecha e izquierda.
•
Gavota:
Danza de origen popular, de tiempo y carácter ligero y que utiliza un
vocabulario de pasos saltados. Al introducirse en la corte, se convertirá
rápidamente y con mucho éxito en danza de baile y de teatro. Se bailaba en
círculo y derivaba de los antiguos branles.
•
Saltarello:
Danza italiana viva, con saltos y muy introducida en el medio popular desde
principios del siglo XIV. Se realizaba generalmente tras danzas más lentas y no
saltadas. Contenía pasos corridos, pasos saltados, pasos dobles muy rápidos y
figuras de infinitas variedades.
•
Branle:
Los bailarines forman, ususalmente, una cadena dándose la mano y acompañándose
de variadas gesticulaciones. Los pasos utilizados en los branles serán, sobre
todo, pasos simples y dobles. A su vez, de entre toda la gran variedad de
branles, los fundamentales serán: branle simple, branle doble y branle alegre;
los dos primeros son ggraves y serios y el último se caracteriza por saltos y
pies en el aire.
LOS PRIMEROS MAESTROS
Y TRATADOS DE DANZA DEL QUATTROCENTO.
Doménico da Piacenza es el primer gran maestro del
Quattrocento y es llamado “Rey de su arte”. Coreografió numerosas danzas y
escribió un tratado llamado: “Arte de danzar y de dirigir danzas”. El él expone
una técnica con fundamentos anteriores a él, plasma su propia estética y
formula problemas esenciales como la delimitación del espacio, la relación con
la música, la expresión y la elevación. También hizo una exposición de los
pasos del repertorio describiendo el vocabulario técnico.
Doménico fue maestro de maestros, y en su escuela se formó
Guglielmo Ebreo da Pessaro. Era judío y se convirtió al catolicismo llamándose
Giovanni Ambrosio con el que firmó su autobiografía en la que explica el gran número
de experiencias y la gran movilidad profesional que lo caracterizaron. Se
presentó como bailarín, maestro y coreógrafo en Italia y fue reclamado en muchos más paises hasta el
punto que el emperador Maximiliano le nombró caballero.
También escribió un tratado llamado: “práctica o arte de la
danza” en el que definirá su concepción
de la danza que es definida como una acción que muestra al exterior los
movimientos del alma”.
Antonio Cornazzano también estudió danza con Doménico.
Trabajó en la corte de Milán donde ejerció funciones política y enseñó danza a
los hijos de Francesco de Sforza. Escribió un libro llamado: “Libro del arte de
danzar”.
En este año también surgieron otros tratados fuera del
ámbito italiano. En España surgieron los manuscritos de Cervera, conservados en
en el rchivo Hi´tórico Municipal de Cervera (Lleida). En Francia encontramos
el Manuscrit des Bases Danses de Maríe
de Borgogne (1495). Y L’art et instruction de Lien Dancer de Michel Toulouze
(1496). Este último est´ça considerado el primer libro impreso de este arte.
CONTEXTO Y
CARACTERÍSTICAS GENERALES
La fama de los espectáculos en las cortes del Renacimiento
italiano del Quattrocento se extendió. En el siglo XVI en Inglaterra triunfaron
los Mask o Mascaradas, representaciones en las que el baile, la poesía y la
música deleitaban los sentidos.
En el siglo XVI los artistas italianos serán contratados y
reclamados por las cortes europeas.
En Italia a mediados de este siglo se testimónia la escuela
italiana con una terminologia al detally y con tratados de danza de carácter
teórico y práctico, surgiendo una danza culta, estilizada, refinada, concedida
para ser danzada y ser contemplada como una mnifestación artística. El
vocabulario de pasos de enriquece. La técnica se vuelve más elaborada y
requiere una práctica continua existiendo una tendencia creciente al
virtuosismo.
Los literatos y músicos intentan revivir la tragédia clásica
griega que daría su fruto con el nacimiento de la ópera a finales del siglo
XVI.
Francisco I de Francia contratará para su corte a numerosos
artístas italianos. El ejemplo más llamativo será la llegada de Leonardo da
Vinci para trabajar en la corte de los Valois desde 1516 hasta su muerte en
1519.
El maestro de danza en el Cinquecento será a la vez
pedagogo, bailarín, creador y realizador de espectáculos.
La danza en Francia gozará de la protección real y se
asimilará lingüística y estilísticamente a la danza culta italiana.
El Ciquecento francés estará marcado por las guerras de
religión. Enrique II había llevado a cabo una brutal represión contra los
hugonotes y su muerte llevó al poder a sus hijos. Todos comenzaron a rein ar
muy jóvenes y todos murieron sin descendencia. A finales de siglo una nueva
dinastía tomó el poder en Francia, la dinastía borbón con Enrique IV.
La danza, el baile de corte, se va a convertir en un medio
privilegiado de divulgación política hasta el reinado de Luis XIII. Con él,
restablecida la autoridad real, el ballet se dedicará a adular la figura del
monarca y su absolutismo.
En 1577 llegan a Francia los Gelosi, el primer grupo de
actores italianos. Estos descubren a los franceses un nuevo género: la pastoral
dramática, que apota al incipiente ballet de corte una serie de elementos
esenciales: evoluciones de danzas estipuladas y acompañadas de música, temática
poética, mitológica o heróica, interpretada por bailarines de calidad y en un
clima de fasto inusual.
Margarita de Vaudémont permitirá a Balthasar de Beaujoyeulx
realizar el ballet Comique de la
Reine. El ballet, presentado el 15 de octubre de 1581
ofrecerá una síntesis armoniosa y feliz de las aportaciones italianas y
francesas: fusión entre danza y geometría y acción dramática. Por su increible
lujo y suntuosidad, este ballet tendrá un éxito excepcional. Entre 1589 y 1610
se contabilizan en francia más de 800 ballets.
PRINCIPALES DANZAS
DEL RENACIMIENTO FRANCÉS
Las danzas que se bailaban en Francia serán descritas por
Thoinot Arbeau en su obra Orchésographie (1588).
Paso
de Brébant: es la forma que tiene en esta época el saltarello y alterna con
frecuencia con la baja danza. Branle: muy utilizada y de moda en los primeros
tercios del siglo. Toma diferentes formas según las provincias. Canario: procedente de España. Chacona: procede de España. Muy viva al principio pero
se convertirá en la danza noble por excelencia del siglo XVII. Pasacalle: de España. Al principo muy temperamental
pero se sosegará y será una variedad de la chacona. Pavana: procede de Italia. Muy utilizada en este siglo
y en el siguiente. Pazzo mezzo: procede de Italia. Antecesor de la pavana
y más vivo que esta. No será muy practicado. Volte: pocede de Provenza. Danza por parejas. Gallarda: comprendía saltos, cabriolas y elevaciones.
Con poco uso hacia finales del siglo XVI. Tourdion: variedad de la gallarda que se bailaba más
por el suelo, sin tanta elevación y a un ritmo más pausado. Gavota:alcanzará gran éxito en el siglo siguiente.
Además de estas danzas estaban de moda la allemanda, la
zarabanda, el passe-pied o la bourré. Con este material , se empezarona montar
los primeros Ballets de Corte, que eran danzas organizadas en torno a una
acción dramática.
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